"L'individualità prima di tutto

Dieter AmmannCome ha deciso di dedicarsi alla composizione come musicista?
Non è stata una decisione consapevole. Sono cresciuto in una famiglia di musicisti e fin da piccolo ho suonato a orecchio con mio padre e mio fratello. Mio padre ci suonava qualcosa e noi lo riproducevamo. Era il miglior allenamento ad orecchio che si potesse avere. Un giorno mi è stato chiesto se volevo comporre un pezzo d'insieme per un concerto sul tema: "I musicisti che improvvisano compongono per l'insieme". Ho accettato e questo ha innescato una reazione a catena. Ho ricevuto sempre più richieste e, verso i trent'anni, sono diventato, quasi impercettibilmente, un compositore "a tempo pieno". Ma ancora oggi scrivere musica è per me un diversivo a volte doloroso. (sorride)

Insieme a Wolfgang Rihm, che ama descriverla come "un fenomeno piacevolmente non teorico", dal 2017 è co-direttore del Seminario per compositori dell'Accademia del Festival di Lucerna Cosa cerca nei giovani compositori e
compositori?
Soprattutto l'individualità. Non pretendo che i partecipanti al seminario aderiscano a determinate posizioni estetiche, tanto meno alle mie. L'obiettivo principale del seminario è generare un dialogo produttivo tra partecipanti con posizioni estetiche divergenti e permettere loro di trovare e definire il proprio linguaggio, sviluppando ciò che hanno dentro di sé. Incoraggiarli a farlo è quindi molto importante.

Quest'anno il numero di donne compositrici che partecipano al seminario è particolarmente elevato. È una scelta deliberata, in linea con il tema della diversità del festival?
Wolfgang Rihm e io abbiamo letto e ascoltato gli spartiti di oltre duecentocinquanta candidati, e non ci siamo fermati un attimo a pensare se fossero uomini o donne. Non ci sono quote di genere nel processo di selezione. Contano solo la musica e le qualità artistiche, ma non selezioniamo solo le composizioni migliori. La scelta si basa su chi pensiamo possa beneficiare maggiormente dei consigli e degli scambi offerti da un seminario di questo tipo. La diversità è ovviamente importante, l'individualità ancora di più.

Lei dice spesso ai suoi studenti che "la musica è una questione di percezione"...
Sì, con questo intendo dire che la musica classica composta (contemporanea), cioè la musica d'arte, dovrebbe essere così multidimensionale che ognuno di noi può effettivamente percepirla in modo multidimensionale, e quindi totalmente diverso, a seconda del proprio rapporto con l'armonia, la simmetria, la periodicità... Questo vale sia per gli ascoltatori che per i compositori. Come compositori, è importante sapere quali informazioni musicali stiamo dando agli ascoltatori, e quindi sperimentare il risultato anche come ascoltatori. Penso che la musica d'arte debba essere un oggetto in cui si possa andare avanti e indietro per sviluppare un nuovo elemento.

Oggi le sale da concerto danno ancora l'impressione di essere reticenti quando si tratta di programmare opere del XX e XXI secolo. Il Festival di Lucerna ha un approccio molto diverso. Perché è importante suonare musica nuova?
La questione si pone solo nel nostro tempo, che rappresenta una situazione eccezionale dal punto di vista della storia della musica. Per secoli è stata suonata, cantata, ascoltata ed eseguita solo musica contemporanea. Questa era la norma. Credo sia importante che gli esecutori, gli insegnanti e gli ascoltatori si interessino a ciò che l'arte ha da dire nel loro presente vissuto. Una società che non dà forma e non riceve attivamente il proprio presente probabilmente non ha futuro, perché le nostre azioni qui e ora fanno parte della tradizione di domani. Dobbiamo conoscere, ascoltare e suonare la musica che viene fatta oggi, perché è questo che la rende viva!

L'Orchestre de la Suisse Romande ha recentemente eseguito "Boost" e "Glut" a Musica Viva a Monaco, due opere importanti che fanno parte dei vostri progetti discografici...
Sì, con l'OSR stiamo registrando un album che contiene opere orchestrali già esistenti, ma registrate per la prima volta in studio. Per me comporre non significa produrre quanta più musica possibile, ma scrivere musica di qualità così convincente da poter entrare a far parte del repertorio di domani. Ecco perché le "registrazioni di riferimento" realizzate con l'etichetta Schweizer Fonogramm sono così importanti per me. È anche bello sentire che tutti i partecipanti al progetto vogliono dare il miglior contributo possibile. Alcune delle opere saranno registrate alla Victoria Hall di Ginevra la prossima estate. L'uscita dell'album è prevista per l'autunno 2023.

Il tuo concerto "Gran Toccata ha celebrato la sua prima svizzera quest'estate al Festival di Lucerna e ha riscosso un successo internazionale dopo la sua prima ai BBC Proms del 2019. Accolto come un'opera rivoluzionaria, è un vero e proprio tour de force sia per il solista che per l'orchestra. Come è nata l'idea di comporre un concerto per pianoforte?
La genesi di questo lavoro è strettamente legata al solista, Andreas Haefliger, che un giorno mi chiese di scrivere un concerto per pianoforte per lui. All'inizio l'idea non mi entusiasmava, perché sapevo che avrebbe richiesto anni di lavoro. Questo è dovuto al mio modo di lavorare, che è scrupoloso e allo stesso tempo rischioso perché si basa principalmente sull'intuizione artistica, qualcosa che difficilmente può essere forzato. La musica che ne risulta è densa di dettagli, molto energica e spesso con tempi veloci. Si svolge in un unico movimento di trenta minuti. Poiché considero il pianoforte come una piccola orchestra a sé stante, alla quale ho aggiunto una grande orchestra, era ovvio che realizzare le mie idee per un'opera concertante di questo tipo avrebbe richiesto molto tempo... Un tempo che è durato tre anni. La complessità ritmica, la grande densità delle parti pianistiche e orchestrali e lo stretto intreccio delle due parti richiedono infatti un grande virtuosismo da parte di tutti gli interpreti.

Ci sono ispirazioni da Stravinsky, Messiaen, Reich... Quali compositori viventi la ispirano particolarmente oggi?
Quando inserisco allusioni alla musica di altri compositori, non è mai una decisione consapevole presa a priori. In realtà, sento un'affinità di materiale, persino di suono, tra ciò che sto scrivendo e la musica a cui voglio fare riferimento in un determinato momento. Questo accade solo con compositori la cui musica ha una certa affinità energetica con la mia, come Ligeti o il mio caro amico Wolfgang Rihm. Non si tratta quindi di citare in qualche modo una musica a me vicina. Questi legami sottocutanei sono molto più elementari e non possono essere "prodotti" intellettualmente.

Nella partitura del suo concerto è scritto: "Possa il fuoco di questa musica essere visto come un faro nella lotta contro il cambiamento climatico". In che modo la musica contemporanea potrebbe incoraggiare l'azione in questa direzione?
Sono piuttosto pessimista al riguardo. L'arte di qualità, come un sismografo, è in grado non solo di registrare e riprodurre gli umori e i tremori di una società, o di chiarirli esagerandoli, ma forse anche di anticiparli. In ogni caso, la musica d'arte può aiutare l'ascoltatore "attivo" a percepire meglio la propria esistenza, acuendo i sensi e ampliando l'orizzonte estetico. Ma per me la questione è un po' come scoprire chi è venuto prima, l'uovo o la gallina. Forse il pubblico ha già la necessaria sensibilità per le questioni esistenziali e quindi è interessato anche alla musica contemporanea... Non credo che si possa "rieducare" la gente attraverso l'arte. E se lo si facesse, si avrebbe l'effetto collaterale negativo di aprire la porta all'abuso dell'arte. Nonostante tutto, spero ancora che l'arte possa avere un effetto catartico.

Alcune delle crisi geopolitiche odierne si riversano nella sfera della musica classica, mettendo talvolta in discussione la sua neutralità. Musica e politica sono strettamente legate?
L'artista è impegnato in un'attività che ha bisogno di un pubblico, ma non deve accontentarsi di rivolgersi semplicemente a questo pubblico, che è composto da giornalisti, istituzioni pubbliche e così via. Credo che anche noi abbiamo una responsabilità nei confronti di questo pubblico. La musica e l'arte di per sé possono avere un valore intrinseco, totalmente indipendente dal ventre della politica quotidiana. Ma l'artista, in quanto persona esposta, non dovrebbe potersi sottrarre alla sua responsabilità politica.

Secondo il compositore, esecutore e polistrumentista Tyshawn Sorey, "la composizione è improvvisazione lenta. L'improvvisazione è composizione accelerata". Come si approccia a questo?
Se ho un'idea come improvvisatore, la suono. Come compositore, la metto alla prova, ne esamino l'origine e il potenziale di sviluppo, la carico strutturalmente, la trasformo, la devio, in breve, la compongo. In un certo senso, l'improvvisazione e la composizione sono due linguaggi diversi, ciascuno con i suoi punti di forza specifici, che sono più precisamente: le forze del momento e della (ri)azione contro le forze della pianificazione o almeno della riflessione. Ma gli effetti della musica non sono necessariamente legati al fatto che sia stata composta o concepita sul momento. Boulez ha detto della mia musica orchestrale che era "una sintesi di un habitus apparentemente improvvisato e di una cura meticolosa nell'elaborazione", e ha coniato il concetto paradossale di "spontaneità artisticamente riflessa".